Jadi Carboni

Bewegungs- und Stimmpraktiken, einschließlich Schreiben, waren schon immer meine Leidenschaft.

Ich begann im Alter von vier Jahren mit dem Zirkus, aber meine Familie zog in eine andere Stadt, und ich begann dort, Ballett und Jazz zu studieren. Als ich 11 Jahre alt war, riet eine professionelle Tänzerin meiner Mutter, mich an der Nationalen Tanzakademie in Rom studieren zu lassen. Nach zwei Jahren Vorbereitung bestand ich die Aufnahmeprüfung und zog nach Rom, wo ich Ballett, Graham und Komposition studierte. Mit 16 begann ich in einer zeitgenössischen Tanzkompanie, Danza Ricerca, unter der Leitung von Daniela Capacci zu arbeiten. Sie ließ sich vom Tanztheater Pina Bauschs inspirieren, und durch diese Erfahrung erkannte ich, dass ich keine „Ballerina“, sondern eine zeitgenössische Tänzerin bin.

Mit 19 Jahren gewann ich ein Stipendium für die Biennale Danza in Venedig unter der Leitung von Carolyn Carlson. Während dieser Monate öffnete sich mir eine ganze Welt und offenbarte die unendlichen Möglichkeiten des Tanzes.

Nach dem Ende des Stipendiums interessierte ich mich für somatische Praktiken wie Feldenkrais und Tai-Chi sowie für Contact Improvisation. Ivan Wolf, einer der Lehrer der Biennale, hinterließ mir einen Zettel mit den Worten „Stephanie Maher, Prenzlauerberg“; 2002 zog ich nach Berlin, um dort Contact Improvisation und Release Technique bei ihr zu studieren.

Vor mir entfaltete sich eine Landschaft verschiedener künstlerischer Ansätze: Butoh, Physical Theatre, Aikido und Qi Gong. Besonders vertiefte ich mich in Body Mind Centering und die Klein-Technik als unterstützende Praktiken für Contact Improvisation und Release Technique.

Ich musste immer parallel zu meinem Studium arbeiten, und das Babysitten der Kinder herausragender Tänzer*innen, mit denen ich arbeitete, darunter Ka Rustler, ermöglichte mir die Teilnahme an vielen Festivals in ganz Deutschland.

2003 zog ich nach Amsterdam, um an der School for New Dance Development zu studieren, und arbeitete weiterhin in Schottland mit Karl Jay Lewin und dem Scottish National Theater. Im Sommer 2007 arbeitete ich in den USA mit Djalma Primordial Science und anschließend wieder in Berlin, wo ich zwischen 2013 und 2016 für Sasha Waltz tanzte.

2009 erlangte ich meine Zertifizierung als Pilates-Lehrerin, gefolgt von meiner Yoga-Lehrer*innen-Ausbildung 2015 und 2017.

Schließlich erwarb ich 2020 meinen Master in Choreografie am HZT in Berlin. Derzeit bin ich Teil der Lehrer*innen-Ausbildung von Open Source Forms unter der Leitung von Stephanie Skura in Seattle, USA.

Diese Methode, basierend auf der Skinner Releasing Technique, ist genau das, wonach ich mein ganzes Leben gesucht habe. Sie integriert somatische und künstlerische Praktiken, Bewegung, Stimme und Schreiben.

Neben meiner Tanzkarriere habe ich immer Gesang praktiziert und studiere seit 2017 Dhrupad-Musik, ein Genre der klassischen indischen Musik.

Durch meine Arbeit und Erfahrungen habe ich gelernt, dass Improvisation für mich essenziell ist. Ich forsche und experimentiere aktuell mit diesem Werkzeug in meinen Lehrmethoden und Kompositionen.

Improvisation ermöglicht uns, uns tief mit dem gegenwärtigen Moment und dem Raum, in dem wir uns befinden, zu verbinden.

Als Choreografin ist es spannend zu lernen, wie man Improvisation in den kreativen Prozess integriert oder sogar eine Choreografie basierend auf einer Partitur erstellt, die eine Zeichnung, ein Text oder nur wenige Sätze sein kann, um das Spiel zu inspirieren und zu leiten.

Diese Werkzeuge ermöglichen es den Performer*innen, an gemeinsamen Strukturen zu arbeiten, die von ihrer Vorstellungskraft, ihren Beziehungen und ihrer authentischen Präsenz genährt werden.

Sie brechen autoritäre Barrieren und Klischees auf und betonen den Dialog zwischen dem inneren und äußeren Raum jedes Menschen.

Jadi Carboni

Am 12. Dezember werde ich den Kern meines Researches über den Tastsinn vorstellen, die 2019 während meines Masterstudiums begann.

Das Projekt, das ich entwickelt habe, heißt Permeable Touch: ein ortsspezifisches Ereignis, das 2019 in Berlin und 2022 sowie 2023 in Graz an verschiedenen öffentlichen Orten mit Tänzer*innen und Nicht-Tänzer*innen aufgeführt wurde.

Die Veranstaltung folgte auf einige Begegnungen, die das Bewusstsein für den Dialog zwischen innerem und äußerem Raum durch die Wahrnehmung unserer Haut fördern sollten – unseres größten Organs und der physischen Grenze zwischen Selbst und Welt.

Wir erforschten, wie wir den Raum beeinflussen und von ihm beeinflusst werden – in einem fortlaufenden und grundlegenden Dialog, der es ermöglicht, sich selbst und die Welt anzuerkennen.

Am kommenden Donnerstag werde ich einige sensorische Erfahrungen anbieten, um das Bewusstsein für den Tastsinn zu schärfen: Wie reagieren wir auf unsere Wahrnehmungen? Wie werden wir von unserer Umgebung beeinflusst und beeinflussen sie, bewusst oder unbewusst?

Ich verwende das Wort „Berührung“, um sowohl die physische Handlung des Berührens als auch im weiteren Sinne das Beeinflusstwerden oder das Beeinflussen von etwas zu beschreiben.

Der Tastsinn ist der erste Sinn, der sich in unserem Körper entwickelt – bereits nach sieben Wochen Schwangerschaft. Durch ihn lernen wir unseren Körper und die Umwelt kennen. Die Haut wird von Nervenverästelungen durchzogen, dem sogenannten Propriozeptorsystem, das mit bestimmten Zellen in unserem Gehirn verbunden ist, den Spiegelneuronen. Diese Neuronen feuern, wenn wir uns bewegen oder jemanden in Bewegung sehen, wodurch kinästhetische Empathie entsteht.

Alles in dieser Welt schwingt mit einer spezifischen elektrischen-energetischen Ladung, was bedeutet, dass wir, wenn wir durch taktile oder räumliche Erfahrungen mit einem Objekt oder einem bestimmten Raum in Kontakt kommen, diese Ladung teilen und kinästhetische sowie kinetische Reaktionen im Körper auslösen. Wenn wir etwas oder jemanden berühren, tritt unsere Haut in physischen Kontakt mit einer anderen Oberfläche, was beeinflusst, wie wir uns selbst und das Objekt erleben.

Während wir berühren, werden wir berührt.

Dies sind die Themen, die wir am kommenden Donnerstag diskutieren und erleben werden.

Jadi Carboni

Neben der Choreografie und Performance habe ich den Soundtrack erstellt, indem ich Interviews mit Frauen unterschiedlichen Alters, verschiedener Kulturen und Berufe gesammelt und bearbeitet habe. Während der Interviews fiel mir auf, wie viele soziale Themen von ihnen auf unterschiedliche Weise geteilt werden.

Früher schätzten Frauen die Weisheit des Waldes, der Erde und des Himmels. Sie erkannten die Realität, Teil der Natur zu sein, ohne über ihr zu stehen. Sie lernten die Schätze der Natur kennen, was ein Bewusstsein und eine Verbindung zu ihrer stets präsenten, oft vergessenen Bedeutung schuf.

Das Stück, teilweise autobiografisch, ist eine emotionale Reise durch die Darstellung des weiblichen Körpers in der Gesellschaft.

Die Art und Weise, wie der weibliche Körper dargestellt und über ihn gesprochen wird, basiert seit Jahrhunderten auf einer männlichen Perspektive und hat ein giftiges Ungleichgewicht zwischen allen Menschen geschaffen – jenseits von Alter, Rasse und Geschlecht.

Ausgehend von historischen Stereotypen lässt das Stück diese sich in fantastische oder reale Entitäten verwandeln.

Kraftvolle Bilder regen das Publikum dazu an, mitzufühlen und über latente Überzeugungen und Werte im eigenen Unterbewusstsein nachzudenken.

Die provokative Natur der Performance ist eine überzeugende künstlerische Strategie, um sich mit sozial-politischen Themen auseinanderzusetzen.

Können wir den weiblichen Körper betrachten, ohne in Regeln und moralische Vorstellungen zu verfallen, die ihm auferlegt wurden?

Auch wenn die Realität von Frauen in den meisten Teilen der Welt Fortschritte gemacht hat, jonglieren sie noch immer mit unausgesprochenen Pflichten, Manipulationen, Ungerechtigkeiten und Gewalt.

Trotz intensiver Recherche und Experimentieren stellte ich nach der Premiere fest, was mir fehlte: Wie ich das Publikum von Anfang bis Ende in einen neuen Raum eintauchen lasse und es daran teilhaben lasse. Daher wurde mir klar, dass ein kreativer Prozess im Rahmen einer künstlerischen Residency stattfinden muss, besonders wenn man gleichzeitig Choreografin und Performerin ist.

Neben der Erforschung von Bewegung und Gesten arbeitete ich mit Bildern, um Metaphern und soziale Klischees zu schaffen, die die empathischen Reaktionen des Publikums erleichtern sollten.

Während der Aufführung bemerkte ich, dass nicht alle Klischees notwendig waren und dass die Arbeit mit den ursprünglichen, grundlegenden Bildern und dem Bewegungsmaterial effektiver gewesen wäre.

Das Stück wurde als eine zeitlich ausgedehnte, partizipative Performance konzipiert. Ursprünglich plante ich, es in Galerien und Museen parallel zu anderen Installationen oder Ausstellungen von Frauen aufzuführen, was aus praktischen Gründen leider nicht möglich war.

Der Name entstand aus Assoziationen, die ich zwischen Frauen und der Natur sowie der Art zog, wie Frauen sich im Laufe der Geschichte positioniert, verändert und geantwortet haben.

In vielen Teilen der Welt wächst der Mut, unsere Wahrheit zu behaupten – lauter zu werden und einander, auch in Bezug auf das Thema gender diversity, mehr zu unterstützen.

Ich glaube nicht an eine Überlegenheit gegenüber Männern, sondern wünsche mir gleiche Möglichkeiten, Respekt und die Anerkennung der Bedeutung von Unterschieden, die meiner Ansicht nach in vielen Fällen zur Ergänzung beitragen.

Es war eine sehr intensive performative Aktion, die zwischen 60 und 70 Minuten dauerte und partizipative Elemente einschloss.

Jadi Carboni

Auf jeden Fall.

Das erste Bild der Performance ist eine Puppe, die sitzt und mit eingeschränkter Bewegung auf die unterbrochenen Stimmen anderer Frauen und die Geräusche der Umgebung reagiert. Eingehüllt in einem Ozean aus Männerkleidung, ist sie unfähig zu bewegen, und als sie schließlich diese eingeschränkte Situation durchbricht, rutscht sie und stolpert, bis sie wieder in diese zurückfällt. Die Qualität der Bewegung im Raum ermöglichte es dem Publikum, die Frustration wahrzunehmen, die aus dem begrenzten Handlungsspielraum und der begrenzten Ausdruckskraft des Charakters resultierte, was manchmal unangenehme Gefühle erzeugte, aber auch den Weg aufzeigte, tief in diese Realität einzutauchen und darüber nachzudenken.

Die Performance wird mit diesen Werkzeugen entwickelt und ruft Erfahrungen und dazugehörige Kontexte einiger Zuschauer hervor. Durch die Präsenz des Körpers, seine Bewegung, seinen Rhythmus, Pausen und Geräusche können Tanzperformances, die dominante soziale Identitäten herausfordern, den Raum erweitern, in dem kulturelle Werte berücksichtigt werden können. Peaches ist eine dieser Performances.

Jadi Carboni

Wie ich zuvor erwähnte, möchte ich Peaches wirklich neu überarbeiten, um einige der unnötigen Klischees loszulassen und dem Material Raum zu geben, sich zu entfalten. Ich möchte Bilder und Symbole Raum geben, die eine authentischere Ausdrucksweise des Körpers offenbaren können. Einige Szenen sind mir zu erklärend geworden, und ich glaube, dass das Arbeiten mit dem wesentlichen Kernmaterial effektiver und fesselnder ist. Neben der Verfeinerung und Bearbeitung einiger Szenen möchte ich eine kürzere Version erstellen, um sie auf Tanzfestivals aufzuführen.

Außerdem habe ich ein neues Solo, das ich bereits proben, namens Kinesis Semeion. Es ist inspiriert von meiner Forschung über den Tastsinn und kinästhetische Empathie sowie meiner Praxis als Improvisatorin. Der Hauptansatz ist die Beziehung zum Raum: Wie entstehen Bewegung, Ausdruck und Gesten und wie entwickelt sich Sprache aus der somatischen Erfahrung? Ich arbeite mit verschiedenen Werkzeugen, einschließlich automatischer Sprache, und möchte es mehrmals aufführen, auch am selben Ort, und andere Performer einladen, zu beobachten, wie sich die Atmosphäre, der Raum und die Komposition verändern.

Neben diesen beiden Projekten möchte ich einen Musiker-Komponisten aus Berlin, Burkhard Beins, nach Graz einladen, um ein Projekt namens Adapt/Oppose zu überarbeiten. Dieses Projekt verbindet Tänzer und Musiker und beinhaltet eine grafische Partitur, die ihre Interaktionen organisiert. Ich überlege, einige Musiker von der Kunst Uni und einige Tänzer aus der Grazer Szene zu gewinnen, um die Szenen etwas mehr zu verbinden.

Tatsächlich habe ich noch drei andere Stücke im Kopf. Eines davon ist das erste Stück, das ich in Graz aufgeführt und choreografiert habe: Suspension Study for Trisha Brown. Es ist ein Quintett mit drei Tänzerinnen, Bruna Diniz Alfonso, Shirin Riesel und mir, zusammen mit zwei herausragenden Kontrabassspielern, Margarethe Mayerhofer-Lischka und Christopher A. Williams.

Ich würde gerne eine Gruppe gründen und mich um künstlerische Förderungen bewerben, aber zuerst werde ich meine Lehrerausbildung abschließen und um Unterstützung bitten, um Peaches Grow Wild along a Scenic Route neu zu bearbeiten und Kinesis Semeion zu kreieren.

Vielen Dank für diese Gelegenheit und dafür, dass ihr Tanz als grundlegende künstlerische Praxis unterstützt und pflegt.